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Paul Iribe

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Paul Iribe, fils d'ingénieur basque, est né à Angoulême le 18 juin 1883. Il fait ses études à Paris et étudie l'art à l'École des Beaux-Arts. Il a ensuite fait son apprentissage avec Le Temps et en 1901 a commencé à travailler comme illustrateur avec le journal satirique, Le Rire.

Pendant la Première Guerre mondiale, il s'installe à Hollywood et réussit à obtenir un rôle dans De grands hommes parmi nous (1915). Il n'a pas réussi à le faire en tant qu'acteur mais a été directeur artistique de Un chevalier prodigue (1921), Payer le joueur de flûte (1921) et Les dix Commandements (1923). Il réalise ensuite trois films : Changer de mari (1924), Petit somme (1925) et La boite de nuit (1925).

Iribe épouse Maybelle Hogan, une héritière américaine, en 1928. Il retourne à Paris où ses dessins sont publiés dans Le Sourire, Le Cri de Paris et Le Joyrnal de Paris. Il a également fourni du matériel pour le journal anarchiste, L'Assiette au Beurre.

Iribe s'est séparé de sa femme et est devenu amoureux de Coco Chanel. Ils se sont mélangés avec un groupe qui comprenait Misia Sert, José-Maria Sert, Jean Cocteau, Jean Marais et Serge Lifar. Au cours de cette période, Iribe est devenu accro à la drogue.

Paul Iribe est mort d'une crise cardiaque alors qu'il jouait au tennis le 21 septembre 1935.


Les Robes de Paul Poiret racontées par Paul Iribe

Trois ans après l'ouverture de la boutique du 5 rue Auber, de nombreux artistes ont contribué à définir l'esthétique et l'esprit de Paul Poiret à travers leurs créations. L'un d'eux était certainement Paul Iribe, un illustrateur français qui a collaboré avec de nombreux journaux et quotidiens parisiens, dont Le temps et Le rire.

Poiret a été attiré par les illustrations d'Iribe pour le magazine Le témoin, et a décidé de le contacter pour une collaboration.

J'ai confié à Iribe mon intention de faire une très belle publication, destinée à l'élite de la bonne société, c'est-à-dire un volume de ses dessins de mes vêtements, imprimés sur du beau papier Arches ou Hollande, qui serait envoyé comme un hommage à toutes les grandes dames du monde. Il se trouve qu'Iribe avait besoin d'argent. Je lui ai payé le prix de ses premiers dessins et il a disparu. (…) Il me semble me souvenir que j'ai dû le menacer assez sérieusement pour le forcer à finir le volume. Finalement, il m'a envoyé les derniers originaux et nous sommes allés sous presse. Aujourd'hui, cette œuvre est bien connue et se trouve dans la bibliothèque de tout artiste ou amateur d'art. C'est une chose stupéfiante, qui constituait alors une documentation sans précédent. Le volume avait été conçu dans un tel esprit qu'il était juste un peu dépassé aujourd'hui. j'ai intitulé Les robes de Paul Poiret racontéés par Paul Iribe. Un exemplaire a été envoyé à chaque souverain d'Europe, avec une dédicace personnalisée, placée après les gardes et imprimée en caractères raffinés. Tous les exemplaires ont été bien reçus et appréciés, à l'exception de celui de S.M. la reine d'Angleterre, [sa copie] m'a été renvoyée avec une lettre d'une dame de la cour dans laquelle on me demandait de m'abstenir d'envoyer de tels articles à l'avenir. Je n'ai jamais compris la raison du malentendu. “

Cette publication anticipait un renouveau des plaques de mode dans un style moderne pour refléter une silhouette plus récente et plus mince. Ce fut également l'un des premiers exemples de tentatives de Poiret pour cimenter la relation entre l'art et la mode, exprimée plus tard dans des collaborations avec Erté et Raoul Dufy, entre autres.

L'album a été réalisé avec la technique du pochoir connue sous le nom de pochoir, avec des zones de couleurs vives et saturées. Cette approche reflète non seulement la nouveauté des créations de Poiret, mais aussi sa palette unique. En effet, même si les vêtements représentés dans les pochoirs font référence au néoclassicisme, leurs couleurs acidulées et accessoires exotiques, notamment les turbans enveloppés à la Madame de Staël, donnait plutôt l'impression d'un style oriental dans le design. Les illustrations présentaient le travail de Poiret dans un langage moderne aplati et très décoratif qui communiquait l'esprit d'évasion des vêtements d'une manière bien plus convaincante que la mode plate traditionnelle avec sa fétichisation des détails.


Rosa Genoni : la mode de l'art italien pur

Au début du XXe siècle, un obstacle notable empêche la mode italienne de décoller : l'impossibilité de s'implanter à l'international tient en fait à l'hégémonie de la Haute Couture parisienne. Afin de pouvoir créer un scénario à crédit international, l'Italie devait tout d'abord prendre conscience de son propre potentiel et acquérir une indépendance vis-à-vis de l'hégémonie culturelle de Paris. Les premiers signes de changement peuvent être identifiés vers la fin du XIXe siècle, lorsque les énergies du pays ont commencé à se tourner vers une réévaluation de la créativité italienne.

La figure clé de ce changement fut Rosa Genoni, une couturière qualifiée ayant une bonne connaissance de la couture française, une grande connaisseuse de l'histoire de l'art italien, ainsi qu'une figure de proue du mouvement d'émancipation féminine. Genoni s'est démarqué dans le panorama italien par l'idée de promouvoir un style national. En 1906, Genoni présente à l'Exposition internationale de Milan une série de modèles inspirés du style de certains grands maîtres de l'art italien de la Renaissance, comme Pisanello et Botticelli.
Le pavillon où étaient exposés les modèles de Genoni a remporté le Grand Prix du Jury. Le succès obtenu et sa promotion inlassable ont conduit à la création d'un comité pour une "Mode de l'art italien pur" présidé par un noble, Giuseppe Visconti di Modrone.

Les éléments qui ont caractérisé cette initiative pionnière de Genoni étaient, d'une part, la tentative de donner un nouvel élan à la créativité vestimentaire italienne, la libérant de la soumission à la Haute Couture, dans le but d'individuer ses propres originalités d'autre part, le lien avec l'art de la Renaissance, une combinaison capable d'ennoblir cette opération « et la mode » d'un point de vue culturel, l'attribuant également à un label d'attrait international certain.


Paul Iribe

Paul Iribe est né à Angoulême en 1813 sous le nom de Paul Iribarnegaray - un nom qu'il a tout naturellement contracté à Iribe. Il a été formé en tant qu'artiste commercial et est devenu célèbre en tant que caricaturiste pour une série de revues parisiennes célèbres.

Iribe était reconnu comme le précurseur du « pur » style Art déco – Ruhlmann, Süe et Mare et Groult reconnaissaient tous volontiers son influence. Malheureusement, la créativité d'Iribe s'est limitée en grande partie à quatre courtes années, de 1910 à 1914. Sa renommée semble, rétrospectivement, correspondre à celle de Colonna : un bref éclat fulgurant suivi d'années d'obscurité.

Au début des années 1900, Iribe a développé les compétences connexes de la décoration d'intérieur, sans aucun doute avec les encouragements du célèbre couturier Paul Poiret, pour qui il a conçu une gamme de bijoux, de tissus, de papiers peints et de meubles. Mais c'est un autre couturier qui scelle sa renommée de créateur de mobilier : Jacques Doucet.

Doucet décide en 1912 de proposer sa collection de meubles du XVIIIe siècle aux enchères et charge Iribe de meubler son nouvel appartement du 46 avenue du Bois (aujourd'hui avenue Foch). Avec son jeune assistant Pierre Legrain, qui deviendra bientôt lui-même assez célèbre, Iribe a conçu une merveilleuse gamme de meubles modernes. Trois pièces – deux bergères et une commode – ont été données par la suite au Musée des Arts Décoratifs à Paris. Une autre paire de bergères, portant les larges accoudoirs circulaires en forme d'escargot en spirale qui caractérisent son œuvre la plus spectaculaire, fait partie de la très importante vente de la collection Doucet à l'hôtel Drouot en 1972.

Le style d'Iribe offrait une élégance sans précédent. Alors qu'une flamboyance Louis XV est évidente dans le design fluide, la discipline est nettement 1800. Il y a aussi une agréable touche de féminité et de confort. Les bois préférés étaient le bois de zèbre, avec son grain distinctif, l'ébène de macassar et l'acajou. Un motif stylisé de prédilection était la rose, qui deviendra plus tard la célèbre « rose Iribe », symbole du haut Art déco, malgré sa conception d'avant-guerre.

Au cours de l'hiver 1914, peut-être stimulé par le déclenchement de la guerre, Iribe s'embarqua pour les États-Unis pour ce qui devint un séjour de seize ans. Il s'installe à Hollywood, concevant des décors géants pour Cecil B. de Mille. En 1930, à quarante-sept ans, il rentre en France où il prend un atelier au 4 avenue Rodin. Il a conçu des bijoux pour Coco Chanel jusqu'à sa mort en 1935.

Alastair Duncan Rinehart et Winston : 1984), 101., « Paul Iribe » Meubles Art Déco : Les designers français (New York : Holt,

Paul Iribe est né à Angoulême en 1813 sous le nom de Paul Iribarnegaray - un nom qu'il a tout naturellement contracté à Iribe. Il a été formé en tant qu'artiste commercial et est devenu célèbre en tant que caricaturiste pour une série de revues parisiennes célèbres.

Iribe était reconnu comme le précurseur du « pur » style Art déco – Ruhlmann, Süe et Mare et Groult reconnaissaient tous volontiers son influence. Malheureusement, la créativité d'Iribe s'est limitée en grande partie à quatre courtes années, de 1910 à 1914. Sa renommée semble, rétrospectivement, correspondre à celle de Colonna : un bref éclat fulgurant suivi d'années d'obscurité.

Au début des années 1900, Iribe a développé les compétences connexes de la décoration d'intérieur, sans aucun doute avec les encouragements du célèbre couturier Paul Poiret, pour qui il a conçu une gamme de bijoux, de tissus, de papiers peints et de meubles. C'est pourtant un autre couturier qui scelle sa renommée de créateur de mobilier : Jacques Doucet.

Doucet décide en 1912 de proposer sa collection de meubles du XVIIIe siècle aux enchères et charge Iribe de meubler son nouvel appartement du 46 avenue du Bois (aujourd'hui avenue Foch). Avec son jeune assistant Pierre Legrain, qui deviendra bientôt lui-même assez célèbre, Iribe a conçu une merveilleuse gamme de meubles modernes. Trois pièces – deux bergères et une commode – ont été données par la suite au Musée des Arts Décoratifs à Paris. Une autre paire de bergères, portant les larges accoudoirs circulaires en forme d'escargot en spirale qui caractérisent son œuvre la plus spectaculaire, fait partie de la très importante vente de la collection Doucet à l'hôtel Drouot en 1972.

Le style d'Iribe offrait une élégance sans précédent. Alors qu'une flamboyance Louis XV est évidente dans le design fluide, la discipline est nettement 1800. Il y a aussi une agréable touche de féminité et de confort. Les bois préférés étaient le bois de zèbre, avec son grain distinctif, l'ébène de macassar et l'acajou. Un motif stylisé de prédilection était la rose, qui deviendra plus tard la célèbre « rose Iribe », symbole du haut Art déco, malgré sa conception d'avant-guerre.

Au cours de l'hiver 1914, peut-être stimulé par le déclenchement de la guerre, Iribe s'embarqua pour les États-Unis pour ce qui devint un séjour de seize ans. Il s'installe à Hollywood, concevant des décors géants pour Cecil B. de Mille. En 1930, à quarante-sept ans, il rentre en France où il prend un atelier au 4 avenue Rodin. Il a conçu des bijoux pour Coco Chanel jusqu'à sa mort en 1935.

Alastair Duncan Rinehart et Winston : 1984), 101., « Paul Iribe » Meubles Art Déco : Les designers français (New York : Holt,


Parfums Par Lanvin

Fragrance Parfumeur Bouteille
Niv Nal (existait en 1925) Madame Zed
Irise (existait en 1925) Madame Zed
Kara Djenoun (existait en 1925) Madame Zed
Le Sillon (existait en 1925) Madame Zed
Le Chypre (existait en 1925) Madame Zed
Comme-ci, Comme-ca (existait en 1925) Madame Zed
Lajea (existait en 1925) Madame Zed
J'en Raffole (existait en 1925) Madame Zed
La Dogaresse (existait en 1925) Madame Zed
Ou Fleurit L'Oranger (existait en 1925) Madame Zed
Géranium d'Espagne (existant vers 1925) Madame Zed
Après Sport (existait en 1925) Madame Zed
Jeanne Lanvin (existait vers 1925) Madame Zed
Ski de fond (existait en 1925) Madame Zed
Mon péché (1925) Madame Zed
Arpège (1927) Andrée Fraysse et Paul Vacher Albert Armand Rateau avec la marque de commerce basée sur le croquis de Paul Iribe.
L'Ame Perdue (L'Âme Perdue) (1928) André´ Fraysse
Pétales Froissés (1928) André´ Fraysse
Scandale (1933) André´ Fraysse
Eau de Lanvin (1933) André´ Fraysse
Eau de Cologne (1934) André´ Fraysse
Rumeur (1934) André´ Fraysse
Prétexte (1934) André´ Fraysse
Creschendo (1960)
Monsieur Lanvin (1964)
Vétiver Lanvin (1966)
Via Lanvin (1971)
(relancer) Rumeur (1979)
Lanvin pour homme (1979)
Cardamome (pour le marché du Moyen-Orient - 1979)
Clair de Jour (1983)
eau de parfum Arpège (1987)
(relancer) Arpège (1992)
Lanvin L'Homme (1997)
Oxygène (2000)
Oxygène Homme (2001)
Éclat d'Arpège (2002)
Lanvin Vétiver (2003)
Arpège pour Homme

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courant07:32, 20 juillet 2020591 × 794 (252 Ko) Mutter Erde (discussion | contributions) <> (1883-1935) |title = ''La Danse Macabre'', Avril 1916 / <> (Portrait de Guillaume II., Deutscher Kaiser) |description = |date = 1916-04-11 |medium = |dimensions = |institution = |department = |accession number = |references = |source = http://www. androgon.com/27883/kultur/krieg-und-propaganda-1418 | autorisation.

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Marie-Louise Iribe, pionnière du cinéma français, est aujourd'hui largement oubliée

Si vous recherchez le nom de Marie-Louise Iribe sur Google, les résultats ne donnent pas beaucoup d'informations. Elle était actrice et réalisatrice du premier cinéma français, a fondé sa propre société de production et a vécu à Paris toute sa vie. Mais les détails disponibles sur sa vie sont minces et parfois contradictoires. En dépit d'être une pionnière du cinéma français qui a même réussi la transition du cinéma muet au cinéma sonore, on ne se souvient pas très bien d'elle.

Iribe est née à Paris le 29 novembre 1894. Son nom de naissance était Pauline Marie-Louise Lavoisot, mais lorsqu'elle est devenue actrice, elle a pris Marie-Louise Iribe comme nom de scène. Iribe était le nom de famille de son oncle, l'illustrateur et designer Paul Iribe qui travaillera plus tard sur son film le plus mémorable avec elle. Elle étudie l'art dramatique au Conservatoire de Paris et poursuit son rêve de devenir comédienne. Elle a épousé André Roanne en 1921, mais le couple a rapidement divorcé. En 1925, il épousa son second mari, Pierre Renoir, un autre acteur et fils du peintre impressionniste Pierre-August Renoir. Le couple s'est séparé en 1930, mais leur divorce n'a été prononcé qu'en 1933.

Iribe a commencé sa carrière d'actrice sur scène et dans le cinéma muet. Dans les années 1910 et 1920, elle joue dans près d'une vingtaine de films et réalise aussi bien des longs métrages que des courts métrages. Elle a participé à des projets de réalisateurs comme René Le Somptier, Gaston Ravel et Henri Fescourt. Elle était dans deux films de l'éminent réalisateur Louis Feuillade en 1914 : Son secret coupable et A l'heure de l'aube .

Aux côtés de son mari Renoir, Iribe a co-fondé Les Artistes Réunis. Cette société de production a réalisé plusieurs films à la fin des années 1920. Notamment, en 1927, Renoir réalise Marquitta qui mettait en vedette Iribe dans le rôle principal, une chanteuse de rue qui tombe amoureuse d'un prince. Iribe a ensuite co-réalisé et joué dans Hara-kiri en 1928. Comme Marquita, le scénario du film était de l'ami de Renoir, Pierre Lesstringuez. Hara-kiri était un film audacieux, montrant une liaison entre une femme française mariée et un noble japonais. Le film remettait en question les idées de l'époque sur la classe, la race et les relations. Il devait à l'origine être réalisé par Henri Debain, mais lorsqu'il a dû quitter le projet, Iribe a pris le relais.

Le seul film d'Iribe qu'elle a réalisé entièrement par elle-même était Le Roi Erl en 1931. Basé sur la courte ballade de Goethe, il raconte l'histoire d'un père essayant de sauver la vie de son fils et du démon ou du roi des fées qui se cache. Connu comme Le roi des aulnes en France, c'est un conte populaire avec des effets spéciaux impressionnants et une conception sonore pour l'époque. Le film était le seul film sonore d'Iribe et bien que les téléspectateurs modernes puissent dire qu'il a clairement été réalisé pendant la période de transition du style d'acteur et de la conception des films muets, c'était un effort efficace. Le film obsédant présente également un scénario co-écrit par Iribe et des costumes impressionnants de l'oncle d'Iribe.

Il est impossible de savoir où aurait pu aller la carrière d'Iribe si elle n'était pas décédée à un jeune âge. Mais Le roi Erl suggère certainement qu'elle aurait pu connaître plus de succès en tant qu'écrivain et réalisateur. Elle décède le 12 avril 1934 à Paris à l'âge de 39 ans. Sa carrière courte mais impressionnante a malheureusement été largement négligée d'autant plus que la qualité des enregistrements de son travail existant laisse à désirer.

Iribe n'est qu'un exemple du nombre important de femmes qui étaient au sommet de l'industrie cinématographique à ses débuts. Au fur et à mesure que les films sonores ont pris le relais des films muets, l'industrie est devenue plus structurée et les opportunités pour les femmes ont commencé à disparaître dans des domaines autres que le jeu d'acteur. Des femmes comme Mary Pickford, Alice Guy-Blaché et Iribe ont joué un rôle important dans le développement des techniques cinématographiques et de l'industrie elle-même, mais ont souvent été oubliées au fil du temps. Chaque année, lorsque les Oscars publient leurs nominations, un débat s'élève sur leur manque de nominations pour les réalisatrices. Le roi Erl vaut vraiment la peine d'être regardé, ne serait-ce que pour se rappeler que les femmes réalisent des films depuis que les Oscars existent.

Photo du haut : Jean Angelo, Henri Debain et Marie-Louise Iribe dans Marquitta


Début du XXe siècle

Tout au long du 20ème siècle, en particulier toute la haute couture est originaire de Paris et dans une moindre mesure de Londres. Les magazines de mode ont envoyé des rédacteurs du monde entier aux défilés de mode parisiens. Les grands magasins ont envoyé des acheteurs aux défilés de mode parisiens pour acheter des vêtements à copier et ont ouvertement volé les lignes de style et les détails de finition des autres. Aussi bien les salons de sur-mesure que les grands magasins de prêt-à-porter présentaient les dernières tendances parisiennes, adaptées aux hypothèses des magasins sur les modes de vie et les portefeuilles de leurs clients cibles. Au début du 20e siècle, la division entre la Haute Couture et les styles de prêt-à-porter n'était pas aussi nette qu'aujourd'hui. Les deux modes de production distincts étaient encore loin d'être concurrents et ils coexistaient souvent dans des maisons où les couturières évoluaient librement entre le sur-mesure et le prêt-à-porter.

Au début du 20e siècle, les magazines de mode ont commencé à inclure des photographies et sont devenus encore plus influents que dans le futur. Dans les villes du monde entier, ces magazines étaient très recherchés par les personnes à la mode à la recherche des dernières tendances de la mode et ont eu un effet profond sur les goûts du public et sur ce que les gens allaient porter. Des illustrateurs talentueux, parmi lesquels les plus célèbres Paul Iribe, Georges Lepape, Erté et George Barbier, ont dessiné des illustrations de mode exquises pour ces publications, qui couvraient les développements les plus récents de la mode et de la beauté. Le plus célèbre de ces magazines était peut-être La Gazette du Bon Ton, qui a été fondée en 1912 par Lucien Vogel et publiée régulièrement jusqu'en 1925.


La philosophie de Paul Poiret - Principes d'une tenue correcte

P aul Poiret était l'un des designers les plus influents du début du 20e siècle et il a joué un rôle majeur dans l'élaboration haute couture et l'industrie de la mode telle que nous la connaissons aujourd'hui. Plus particulièrement, Poiret a contribué à la disparition du corset, et en particulier de sa plus récente incarnation sous la forme du corset en s-bend, et a introduit de nouveaux modèles qui ont éloigné la mode des silhouettes très structurées vers des silhouettes plus amples basées sur le drapé plutôt que la couture. En outre, Poiret s'est fait remarquer pour le développement de la jupe entravée et de la "robe à abat-jour" ainsi que pour l'incorporation d'éléments orientaux dans ses créations.

Ici, nous ne voyons qu'un exemple du style vestimentaire “lampshade” de 1912 :

Cependant, dans toutes les réalisations de Poiret, la considération de ses idées, ou la «philosophie» concernait l'habillement lui-même. Une accusation souvent portée haute couture et leurs concepteurs est que la richesse équivaut automatiquement à une bonne tenue ou à une robe «correcte». A Poiret :

Cet art n'a pas grand-chose en commun avec l'argent. La femme dont les ressources sont limitées n'a pas plus de raison d'être sobrement vêtue que la femme riche n'a de raison de croire qu'elle est magnifiquement vêtue. Sauf dans la mesure où l'argent peut procurer les services d'une bonne couturière, d'un artiste qui peut juger le style de sa cliente et la vêtir en conséquence, la femme riche n'a pas plus de chance d'être correctement habillée que la femme qui doit débourser chaque centime. avant de le dépenser. [1]

Bien que ce qui précède soit presque un truisme en matière de mode, du moins aujourd'hui, il est toujours révélateur de la part de l'homme qui s'était lui-même couronné le «roi de la mode». Poiret développe davantage ce thème, déclarant que s'habiller est:

…pas un art facile à acquérir. Cela demande une certaine intelligence, certains dons, certains parmi les plus rares peut-être, cela demande une réelle appréciation de l'harmonie, des couleurs, des idées ingénieuses, un tact absolu et, surtout, l'amour de la belle et claire perception. de valeurs. On peut résumer en deux mots, de bon goût. [2]

Alors, qu'est-ce que le “bon goût” pour Poiret ?

Le goût n'est nullement développé par la richesse au contraire, les exigences croissantes du luxe tuent l'art de s'habiller. Le luxe et le bon goût sont en proportion inverse l'un de l'autre. L'un tuera l'autre car les machines évincent le travail manuel. En fait, il est allé si loin que de nombreuses personnes confondent les deux termes. Parce qu'un matériau est cher, ils le trouvent beau parce qu'il est bon marché, ils pensent qu'il doit être moche. [3]

Ce qui précède est aussi vrai aujourd'hui qu'il l'était à l'époque et nous le voyons à la mode presque tous les jours. Naturellement, le «bon goût» peut être quelque peu subjectif, selon le temps et le lieu, mais cela revient toujours à l'idée que l'on ne peut pas simplement acheter son chemin vers le bon goût, ou par extension, la bonne mode.

Ici, nous voyons un échantillon des illustrations de mode que Poiret a commandées à divers artistes d'avant-garde tels que Paul Iribe. Ici, nous voyons un renouveau certain des lignes verticales simples du style vestimentaire empire :


Illustration de mode du XVIe siècle à nos jours

La majorité des illustrations de mode ont été créées pour être vues de près sur une page, permettant ainsi l'expérience personnelle associée aux livres et aux lettres. Par conséquent, les illustrations de mode possèdent un sentiment d'intimité unique, avec l'image tenue dans la main du spectateur, ainsi qu'une urgence, le besoin de nous arrêter dans notre élan avant de tourner la page.

L'illustration de mode nécessite la capacité unique d'utiliser un stylo ou un pinceau de manière à non seulement capturer les nuances par le geste, mais également à transformer la représentation graphique d'un vêtement, d'un accessoire ou d'un cosmétique en un objet de désir. Le travail de l'artiste de mode est de &lsquoter l'histoire de la robe.&rsquo

Figure 2. Charles Dana Gibson, Le livre Gibson, tome II, 1907

LE DÉBUT DE L'ILLUSTRATION DE MODE

L'illustration de mode a commencé au XVIe siècle, lorsque l'exploration et la découverte mondiales ont suscité une fascination pour les vêtements et les costumes des habitants de nombreux pays du monde. Des livres illustrant la tenue vestimentaire appropriée de différentes classes sociales et cultures ont été imprimés pour aider à éliminer la peur du changement et les troubles sociaux créés par ces découvertes.

Entre 1520 et 1610, plus de deux cents collections de ces gravures, eaux-fortes ou gravures sur bois ont été publiées, contenant des plaques de personnages portant des vêtements particuliers à leur nationalité ou à leur rang. Ce sont les premières illustrations dédiées de la robe et le prototype de l'illustration de la mode moderne. Les illustrations ont probablement trouvé leur chemin vers les couturières, les tailleurs et leurs clients, servant à inspirer de nouveaux designs.

Figure 3. Abraham Bossé, Un homme se dirigeant à droite monte un degré, 1629

Artistes du XVIIe siècle Jacques Callot (1592-1635) et Abraham Bossé (1602-1676) ont tous deux utilisé des techniques de gravure modernes pour produire des détails réalistes des vêtements et des costumes de leur époque.

Les revues, qui ont commencé à être publiées en France et en Angleterre à partir des années 1670, sont considérées comme les premières revues de mode, parmi lesquelles Le Mécure Gallant, Le magazine de la dame, La Galerie des Modes, Le Cabinet des Modes, et Le Journal des Dames et des Modes. L'augmentation du nombre de périodiques et de revues produites pendant cette période répondait à un lectorat féminin de plus en plus averti et avide des dernières nouvelles de la mode. Les illustrations des styles masculins actuels sont devenues tout aussi importantes que celles des femmes à la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle.

Figure 4. Jacques Callot, Eau-forte de La Noblesse, vers 1620

L'ASSIETTE DE MODE AU XIXE SIÈCLE

La plaque de mode s'est imposée à la fin du XVIIIe siècle, florissant à Paris avec des publications telles que Horace Venet&# 39s Incroyables et Merveilleuses. Cette série de dessins de mode à l'aquarelle sous Napoléon Ier a été gravée par Georges-Jacques Gatine (1773-1824) comme une série de planches de mode. La position de la France en tant qu'arbitre de la mode a assuré une demande constante, dans le pays et à l'étranger, pour l'illustration de mode. Cet intérêt pour les vêtements à la mode et leur accès croissant ont entraîné l'introduction de plus de cent cinquante périodiques de mode au cours du XIXe siècle, qui comprenaient tous des plaques de mode. Ces illustrations de mode très détaillées capturaient des informations axées sur les tendances et fournissaient des instructions générales sur la couture. Ces illustrations ont été créées par des artistes aussi talentueux que le Colin sœurs et Florensa de Closm&ecutenil.

Figure 5. Georges-Jacques Gatine, Le Goût du Jour, n°21 : Les Modernes Incroyables, de Caricatures Parisiennes, vers 1815

La mode couture a émergé dans les années 1860. Les maisons de couture ont embauché des illustrateurs qui travailleraient directement avec le couturier pour esquisser les nouveaux modèles tandis que le maestro drapait le tissu sur un modèle vivant. Ils ont également dessiné des illustrations de chaque design de la collection finie qui pourraient ensuite être envoyées aux clients. À la fin du XIXe siècle, les impressions coloriées à la main ont été remplacées par des impressions en couleur. Les plaques de mode ont commencé à présenter deux personnages, dont l'un est vu de dos ou de côté afin que le costume puisse être vu sous plus d'angles, ce qui le rend plus facile à copier. Les illustrateurs du XIXe siècle se concentraient sur la précision et les détails. Ils se sont conformés à des conventions iconographiques statiques afin de fournir des informations et des instructions à leurs téléspectateurs.

Figure 6. Florensa de Closm&ecutenil, La Mode, 25 septembre 1846 : Chapeaux de Mme Penet, 1846

L'illustration de mode au tournant du XXe siècle est devenue très graphique et davantage basée sur le style individuel de l'artiste. Par exemple, Charles Dana GibsonDans les années 1867-1944, les représentations grinçantes de la femme américaine moderne, aux cheveux relevés et à la taille de chemise, ont défini un type et fourni un commentaire humoristique, parfois satirique, sur la vie américaine contemporaine.

MAGAZINES DE MODE ET ILLUSTRATION AU XXE SIÈCLE

Les premières décennies du vingtième siècle ont vu la première floraison de l'illustration de mode dans son sens moderne. Le métier du dessin devient une vocation au fur et à mesure que la circulation des derniers styles devient une activité de plus en plus lucrative. La mode, autrefois le travail d'artistes individuels, devenait une industrie, produisant de nouvelles marchandises en quantités sans précédent pour remplir les grands magasins. Ces magasins inventaient la culture du shopping, un nouveau passe-temps national.

A Paris, le couturier Paul Poiret commandait des albums en édition limitée à des artistes tels que Paul Iribe (1883-1935). En 1908, Iribe a introduit des figures imprimées à l'aide du pochoir méthode, basée sur des techniques japonaises qui consistaient à créer un pochoir pour chaque couche de couleur qui était ensuite appliqué à la main. Connu pour sa palette de tons bijou et sa ligne graphique épurée, Poirot a désormais aligné ses nouvelles silhouettes exotiques et sans corset avec le monde élite et exclusif de l'art.

Fig. 7. Paul Iribe, Les Robes de Paul Poiret Racontée, 1908

Publié de 1912 à 1925, le magazine français de luxe Gazette du bon ton a réuni un groupe de jeunes artistes qui ont bénéficié d'une liberté sans précédent dans leur interprétation de la mode. Chaque édition contenait jusqu'à dix couleurs pochoir plaques et plusieurs croquis de conception de croquis. Iribe était l'un des nombreux illustrateurs de mode qui ont contribué à la célèbre publication qui comprenait également des travaux de grands noms tels que Charles Martin (1848-1934), Eduardo García Benito (1892-1953) Georges Barbier (1882-1932) Georges Lepape (1887-1971) et Umberto Brunelleschi (1879-1949). Les plaques qu'ils ont produites pour le Gazette montrent l'influence des gravures japonaises sur bois ainsi que la nouvelle géométrie élégante du style Art déco.

Fig. 8. Georges Barbier, Artémis - Manteau, de Worth, planche 29 de Gazette du Bon Ton, n°4, 1924-1925

Aux États-Unis, les magazines de mode grand public Vogue et Bazar Harper&rsquos a couvert la scène sociale ainsi que les tendances vestimentaires contemporaines et la beauté. Bazar Harper&rsquos a signé un contrat d'exclusivité avec Erte qui a duré de 1915 à 1938, l'un des plus longs contrats de l'histoire de l'édition. De 1910 jusqu'au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, la couverture de Vogue toujours une illustration. Vogue&rsquos premières couvertures exposées œuvres d'art créées par des illustrateurs américains Hélène Dryden (1882-1972), Planche George Wolf (1883-1965), Georges Lepape (1887-1971), et F.X. Leyendecker (1876-1924). Après la Première Guerre mondiale, ils sont rejoints par des artistes européens dont Edouard Benito (1891-1981), Charles Martin (1884-1934), Pierre Brissaud (1884-1964), et André Marty (1882-1974).

9. F.X. Leyendecker, Couverture du Vogue, 1er mars 1911

L'ÂGE D'OR DE L'ILLUSTRATION DE MODE

Les années 1920 et &lsquo30 représentent l'&ldquoâge d'or&rdquo de l'illustration de mode. Chaque artiste commercial était considéré comme un artiste de mode et les mdashall étaient des dessinateurs accomplis. Beaucoup ont pu représenter la texture, l'éclat et même le poids du tissu avec autorité et conviction.

De nouveaux développements technologiques dans le domaine de la photographie et de l'impression ont commencé à permettre la reproduction de photos directement sur les pages de magazines, ce qui signifie que la plaque de mode n'était plus une représentation de la vie moderne. Au début des années 1930, les photographies ont commencé à être préférées dans les magazines, avec Vogue rapportant en 1936 que les couvertures photographiques se vendaient mieux. L'illustration a commencé à être reléguée aux pages intérieures.

10. René Bouché, Costume rouge, 1950

Avec la récession économique qui a suivi le krach boursier de 1929, l'industrie de la mode aux États-Unis est devenue moins dépendante de Paris pour la mode. La fabrication américaine de vêtements a fait de grands progrès pendant l'entre-deux-guerres, améliorant les méthodes de production à grande échelle et standardisant les tailles. Les femmes de la classe moyenne comptaient sur des couturières habiles pour interpréter les dernières créations de couture à des prix plus abordables, tandis que les modèles publiés par des magazines tels que Vogue et Journal des femmes étaient inestimables pour la couturière à domicile. Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, ces compétences ont pris une nouvelle importance alors que les femmes luttaient pour maintenir un certain niveau de mode face à de graves pénuries et restrictions d'approvisionnement.

L'objectif premier de Vogue était de montrer la mode au lecteur avec autant de détails informatifs que possible. La photographie avait libéré les illustrateurs de la nécessité de faire un enregistrement exact des vêtements en faveur d'interprétations plus interprétatives des vêtements à la mode. The magazine publishers were said to complain that &lsquothe artists were chiefly interested in achieving amusing drawings and decorative effects. they were bored to death by anything resembling an obligation to report the spirit of contemporary fashion faithfully.&rdquo Vogue et Harper's Bazaar kept the art of fashion illustration alive, featuring the work of fashion illustrators like Christian Berard (1902-1949), Eric [Carl Erickson] (1891-1958), Erté [Romain de Tirtoff] (1892-1990), Marcel Vértes (1895-1961), Rene Bouché (1906-1963), and René Gruau (1908-2004).

Dior&rsquos &ldquoNew Look&rdquo in the late 1940s provided the inspiration for the fashion revival after the war. In many ways it was a retrograde style, harking back to the past rather than anticipating the future, yet it also symbolized a return to more cheerful, optimistic times.

Fig. 11. Erté, Symphony in Black, 1983

THE DEMISE AND REVIVAL OF FASHION ILLUSTRATION

By the 1950s, fashion editors were investing more of their budgets for editorial spreads of photography. The subsequent promotion of the fashion photographer to celebrity meant that illustrators had to be content with working on articles for lingerie and accessories, or in advertising campaigns.

The 1960s saw the continuing demise of fashion illustration in magazine publishing, which was featured in the new category of youth-oriented teen magazines, a number of which launched in the 1960s and all of which used illustration as a cheaper alternative to photography. Their role was to inspire and suggest, rather than dictate. Illustrated covers were occasionally featured, and editorial illustration was included by artists such as Rene Bouché, Alfredo Bouret (1928-2018), Tod Draz (1943-1987), and Tom Keogh (1922-1980).

Fig. 12. Alfredo Bouret, Illustration for Vogue Paris, 1960

Antonio Lopez (1943-1987) was the only artist regularly featured in the pages of Vogue during this time, having started his career at Women&rsquos Wear Daily.

During the second half of the twentieth century, fashion illustration struggled to survive, until it underwent a renaissance in the 1980s. A new generation of artists was given an outlet in magazines such as La Mode en peinture (1982), Conde Nast&rsquos Vanity (1981), et Visionaire (1991). Credit for this revival is attributed to advertising campaigns, notably Barney&rsquos New York&rsquos 1993-1996 advertising campaign with witty illustrations by Jean-Philippe Delhomme (b.1959).

Fig. 13. Jean-Philippe Delhomme, Advertisement for Barneys New York, 1993-1996

FASHION ILLUSTRATION TODAY

Falling between fine and commercial art, fashion illustration has only recently been reevaluated as a significant genre in its own right. Since beauty and grace are now outmoded both in fashion and in art, fashion drawing seems at times like a throwback to an earlier era. With photography so much more adept at documenting a garment&rsquos details, the illustrators&rsquo focus was no longer on the accurate rendition of the garment, instead interpreting the clothing and the person who might wear it. This developed a wide range of unique artistic styles in the late twentieth and early twenty first centuries, bolstered by digital tools and social media platforms. The 1990s saw the rise of computer-based drawing by such pioneers as Ed Tsuwaki (b.1966), Graham Rounthwaite (b.1970), Jason Brooks (b.1969), and Kristian Russell.

Fig. 14. Jason Brooks, Illustration for Revlon, 2013

This period, which saw the emergence of computer design programs Adobe Photoshop and Illustrator, also witnessed a revitalization of traditional art-based forms of fashion illustration. New York&rsquos Parsons School of Design and FIT began offering illustration as a dedicated element of their fashion curriculum. &ldquoTraditional&rdquo hand-worked illustration has continued to enjoy a revival, with fashion illustrators often looking back to the masters of the past for stylistic inspiration. Fashion illustration that is grounded in classic methods has managed to survive alongside those created by more modern processes.

Most recently, illustration has come into vogue through collaborations between fashion designers and illustrators. With the use of social media, fashion illustrators are beginning to make their way to the spotlight. Bursting with vibrant colors, intricate patterns, and endless personality, fashion illustrations never fail to impress.

Sarah Goethe-Jones

Sarah Goethe-Jones is a costume designer and fashion historian. She has a diverse background in theatre, film, styling, and museums.

She holds a degree from Parsons New School of Design in New York City, and is currently a student at University of Massachusetts in Amherst, Massachusetts. In 2018, Sarah served as a research fellow of fashion illustration at Norman Rockwell Museum's Center for American Visual Studies.


Voir la vidéo: Paul Iribi - Art Deco Illustrator, (Juin 2022).


Commentaires:

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